Los premios europeos ante el "Amor" de Haneke

Publicado hoy en el diario "El País":


¿Qué es el amor para Haneke? Un sentimiento por el que un ser humano puede llegar hasta el final, incluso a la muerte. Un amor en el que conviven el sufrimiento, la ternura y la compasión. Europa se ha rendido esta noche de nuevo ante este cineasta del desgarro y la verdad sin tapujos. Michael Haneke (Múnich, 1942) y su película Amor fueron los grandes ganadores de la 25ª edición de los premios de cine europeo. Amor, una apocalíptica declaración amorosa en una pareja de ancianos, inspirada en el suicidio de una tía con la que se crió el cineasta, ha conseguido los premios a mejor película, director para Haneke, actor para Jean-Louis Tringtignant y actriz para Emmanuelle Riva. En la gala celebrada en La Valetta (Malta), Europa ha vuelto a premiar al compositor español Alberto Iglesias, y van tres, por la banda sonora de El topo. “Escribo desde España. Necesitamos a Europa más que nuca. Seguimos vivos”, fueron las emotivas palabras que envió Iglesias, que disculpó su presencia por estar embarcado en la música de la última película de Pedro Almodóvar, Los amantes pasajeros.

Europa se ha rendido de nuevo ante un cineasta brutal y descarnado. Amor, Palma de Oro en el último festival de Cannes, narra de manera cruda, pero al mismo tiempo generosa, cómo lidiar con la muerte de la persona amada. Ya lo ha advertido el propio Haneke en varias ocasiones: “El tema principal de esta historia no es la muerte ni la vejez, sino la manera de afrontar el sufrimiento de un ser querido”. Amor tiene previsto su estreno en España en febrero, coincidiendo con la puesta en escena de la ópera de Mozart Cosí Fan Tutte que va a dirigir en el Teatro Real en Madrid. Es la tercera vez que Europa premia al realizador austriaco, que ya consiguió los galardones de la Academia de Cine Europeo en 2005 con Caché (mejor película, dirección, actor y montaje) y cuatro años más tarde con La cinta blanca (película, dirección y guion). El premio a Haneke le ha sido entregado por el director español Carlos Saura que lanzó un mensaje de esperanza al proclamar “larga vida al cine europeo”.

Europa también ha tenido un lugar para el realizador danés Tomas Vinterberg, que ha logrado el premio al mejor guion junto a Tobias Lindholm por La caza, una aterradora historia sobre el acoso sufrido por un maestro en un pequeño pueblo de Dinamarca ante las denuncias falsas de abusos sexuales por parte de una niña. La caza, que consiguió el premio al mejor actor en Cannes, no tiene de momento distribución para su estreno en España. Vinterberg, director de Celebración, es un discípulo del movimiento Dogma creado por Lars von Trier. Otra de las sorpresas ha sido Shame, el filme británico sobre la adicción al sexo de un ejecutivo, que ha conseguido los galardones a mejor fotografía y mejor montaje, y El topo, que se ha hecho con dos galardones (música y dirección artística). Los que se han ido de vacío han sido los octogenarios hermanos Taviani por su película César debe morir. No han tenido ningún premio pero no han perdido nunca la sonrisa.

Esta 25ª edición ha contado con una escasa participación española. Solo Alberto Iglesias por la banda sonora del filme británico El topo, basado en la novela de John Le Carré, ha logrado el premio para el que era candidato. Arrugas, adaptación de un cómic del dibujante Paco Roca dirigida por Ignacio Ferreras y candidata en la categoría de mejor película de animación se ha quedado con las ganas. Los 2.700 académicos europeos han galardonado en este apartado a la cinta checa Alois Nebel, de Tomás Lunak. Ha sido el productor Antonio Pérez el encargado de recoger el premio de Iglesias y de leer unas palabras de agradecimiento. “Escribo desde España. Necesitamos más que nunca a España. Seguimos vivos”, dijo Iglesias, que ya ha recibido en otras dos ocasiones el premio al mejor músico europeo por Volver y Los abrazos rotos, de Pedro Almodóvar.

Dos grandes figuras del cine europeo han recibido el reconocimiento unánime de todos sus colegas reunidos en Malta. El director italiano Bernardo Bertolucci, autor de títulos legendarios como El último tango en París, Novecento o El último emperador (Oscar en 1987) y la actriz británica Hellen Mirren, que dio a conocer al mundo como era en la intimidad la reina Isabel II en La reina, aglutinaron quizás los momentos más cálidos de la noche. De negro y oro, Hellen Mirren (Londres, 1945), una de las grandes damas de la cinematografía europea, que ha combinado a lo largo de su carrera el cine más comercial (Excalibur, Gosford Park o Las chicas del calendario) con el de autor (Hamlet, Calígula), ha sido recibida con una gran ovación con toda la sala puesta en pie. Emocionada, Mirren ha recordado sus comienzos como camarera con 16 años cuando un día lluvioso en su Inglaterra natal entró en un cine donde proyectaban La aventura, de Antonioni. “Ese día me di cuenta de que quería formar parte de ello”, dijo la intérprete. El momento Bertolucci llegó poco después. El director italiano, en silla de ruedas, camisa roja, bufanda azul y un sombrero que no se quitó en toda la noche, recibió el premio de honor de la Academia de Cine Europeo de manos de la actriz española y amiga Marisa Paredes y de nuevo con el público totalmente entregado. Bertolucci, que lleva cuatro años “escondido” por motivos de salud, recordó a Ingmar Bergman, con el que coincidió en la primera edición de estos premios en Berlín, evitó hablar de su vida pero finalizó su discurso con un: “Larga vida a los vinos de Malta”.

Parece una película interesante, afrontar el dolor y la muerte de una persona querida. Siempre he mantenido que el AMOR, así, con mayúsculas, no está en la dicha o en el gozo, sino en el conjunto de las experiencias que te vinculan a determinadas personas a lo largo de tu vida. Compartir la alegría de un ser querido es hermoso, compartir su dolor es un reto, un reto doblemente hermoso pues es ahí precisamente donde puedes ofrecer lo mejor de ti mism@. No se trata únicamente de compartir, sino de demostrar. Es precisamente en el momento duro cuando tienes ocasión de abrir tus sentimientos y volcarlos en obras, es una vía, la más difícil y por tanto la mejor, de "materializar" el sentimiento hacia esa persona en hechos mensurables. El amor, si es auténtico, no tiene vuelta atrás cuando llega lo difícil, afortunadamente para todos. No hay nada tan bello ni tan tierno como tener la oportunidad de compartir el sufrimiento de aquéllos a quienes amas.

Habrá que ver esta cinta.

Damablanca.

Vi la película, me encantó y al mosmo tiempo la sufrí. Pero necesito volver a verla. La película no sólo habla del amor sino de la vida misma, y lo desgarrador que puede ser enfrentar el sufrimiento del ser amado, quizás lo más valioso del filme es hacernos ver que el dolor del otro, cuando de verdad se ama, es aun más grave que su muerte.

Si tienen oportunidad, no dejen de verla.

Ety

Es una película dura, pero al mismo tiempo te deja el sentimiento de que el amor de verdad existe.

Bss

Damablanca.

No puedo decir que vi "Amor", más bien la sufri. Haneke la llena de detalles dolorosos y de sufrimiento e impotencia, pero también de luz, de recuerdos del pasado (hay uno o dos cortísimos y brillantes flashbacks) y de amor... un placer encontrar después de tanto tiempo a Jean Louis Trintignant él y Emanuelle Riva son la película, he leído que es probable su nominación al Oscar. Sin duda de lo mejor del año... también vi La caza... otra cinta terrible, ambientada en el invierno, muy a tono con el tema, excelente, aunque me haga recordar un poco a "La mentira infame" aquel clásico con Shirley Maclaine, Audrey Hepburn y James Garner de principios de los sesenta, original de Lillian Hellman. Está excelentemente planteada y actuada y deja un amargo escozor. Otra excelencia es la cinta de Jacques Audiard: "Metal y huesos", me extraña no verla en los premios, con una Marion Cotillard fuera de serie y un tema que en otras manos hubiera sido hasta cursi. César debe morir también estuvo en nuestra muestra de cine de noviembre y es extraordinaria, se refiere a la puesta en escena del Julio César de Shakespeare por parte de los internos de una prisión italiana, montaje real que se volvió famosísimo y que los Taviani registran con maestría, a medio e interesante camino entre la ficción y el documental, la fotografía en alto contraste quita alientos. "El topo" creo que fue la cinta multinominada del año pasado con un fenomenal Gary Oldman, se me ha borrado el nombre de la distribución acá... un poco confusa en cuanto a su planteamiento y otra de las visiones de Le Carre acerca del mundo del espionaje (a años luz, por fortuna, de James Bonds, anexas y similares). Ojalá puedan verlas.

Lo dicho en otro apartado. Es un lujo contar con el asesoramiento de un verdadero profesional de la cinematografía.

Muchas gracias, Eduardo.

Un abrazo,

Damablanca.

Como ya se menciono en estos apartados, la película Amour, no sólo se ve, también se sufre.

Encontré esta colaboración de Carlos Bonfil sobre el filme. El escrito tan intenso me conmovió, sobre todo porque el autor halló las palabras exactas para describir el dolor que la película provoca.

(Quizás después de leer esta crónica decidan no ver la película, es válido y posiblemente yo también dudaría antes de meterme a la sala. Pero, lo cierto es que podemos escapar de un espectáculo desgarrador, pero no de la vida, y Amour habla de algo en la vida que podría ocurrirle a cualquiera de nosotros).

Amour
Carlos Bonfil


Amour sería uno más de esos Juegos divertidos de manipulación y crueldad que el director austriaco Michael Haneke acostumbra imponer a sus espectadores. Sólo que esta vez no se atreve a decir su nombre. Este señalamiento lapidario lo hace Jean-Philippe Tessé en Cahiers du Cinéma (XI-12). En otro artículo de la misma revista se alude a una moda en el cine contemporáneo que consistiría en manipular las reacciones emocionales del público, agrediéndolo de paso y humillando a los actores que aceptan participar en una película, y en esa moda incluye a "pequeños Hanekes", como Michel Franco, el realizador mexicano de Después de Lucía. ¿Estamos, pues, ante una invasión en el cine de nuevos directores bárbaros, cínicos y manipuladores, que suelen ser premiados en los festivales de cine por jurados masoquistas e insensibles?

Es conocido el manejo magistral de la violencia en el cine de Haneke. Juegos divertidos era al respecto un verdadero ejercicio de masacre sobre los nervios de un espectador confrontado ante su capacidad de tolerar y, más inquietante aún, de disfrutar la violencia física y sicológica en la pantalla. El espectador sería entonces algo como el Alex de Naranja mecánica (Kubrick, 1968), escarmentado con un espectáculo de horror, una terapia de aversión, por la violencia que hasta el momento había impuesto a los demás. Parte de la polémica generada por Amour, segunda Palma de Oro consecutiva de Haneke en el festival de Cannes, luego de El listón blanco, tiene que ver con esta discusión insoslayable.

De todas las violencias imaginables, tal vez la más inclemente sea la que la propia naturaleza impone al hombre con una súbita enfermedad degenerativa y desgastante, y el dolor que ésta provoca en quien la padece y en los seres que lo rodean. En Amour, Haneke ofrece, con una sobriedad expresiva muy distante del sentimentalismo, la crónica de los últimos días de una pareja de octogenarios, Georges (Jean-Louis Trintignant) y Anne (Emmanuelle Riva), derribada ella por un infarto que gradualmente le paraliza medio cuerpo y le hace perder lucidez y el dominio de sus facultades; atribulado él por la confusión de no saber cómo lidiar con el irreparable naufragio físico y moral del ser amado. Haneke desecha las posibles incertidumbres del desenlace presentando de entrada el cadáver de Anne. Lo que sigue es un largo flash-back que registra las estaciones de su agonía, el desamparo creciente de su marido, y la inútil y bien intencionada intervención de Eva (Isabelle Huppert), hija de ambos, cuyo sentido común pudiera asemejarse al de un buen número de espectadores.

Para esos mismos espectadores el espectáculo de la degradación senil es tan intolerable como la exhibición del goce sexual de los ancianos. Son imágenes perturbadoras que los cineastas de buen tono debieran evitar por respeto a los mismos actores, pero sobre todo para no violentar la sensibilidad de un público que preferiría ignorar tales realidades. La cinta de Haneke va a contracorriente de esa actitud bien pensante, y pese a la crudeza de lo que expone (desnudo de Anne, faenas asistenciales, una bofetada por exasperación e impotencia, exhibición de la agonía), lo que finalmente queda muy claro en imágenes de una soberbia serenidad (una paloma perdida en el interior de la casa, intercambio de miradas extraviadas entre los seres amados, complicidad por el padecimiento de uno que es anticipo de la suerte inminente del otro), es la profunda empatía del director con sus actores y la sinceridad moral con que aborda cuestiones tan duras y a la vez delicadas como la humillación en la enfermedad, la impotencia en el amor, y la vulnerabilidad muy grande de quien luego de vivir por décadas a lado de un ser amado, debe terminar sus días en una agonía irremediablemente solitaria.

Gracias por el artículo, Ety.

Bss

Damablanca